“Dualidad, un paraguas de combinar el lenguaje antiguo con el nuevo” Entrevista con Megan Curet. Nueva York, Estados Unidos.

Cuéntenos sobre sus planes para el Proyecto Dualidad en octubre de 2021.

Es difícil obtener claridad debido a la situación. Voy a dirigir un taller de forma virtual. Voy a estar dirigiendo el taller que hago, que es parte de mi investigación de doctorado que es En rytmo / In rhythm. Tomo prestados elementos de la “bomba” que es una canción, baile y forma musical de Puerto Rico que se relaciona con la percusión de la bomba, así como con el sonido y el movimiento.

Tomo prestados elementos de eso para luego encontrar un vocabulario de movimiento que se traduce a través de un recipiente contemporáneo. Es muy físico y se trata de comprender el cuerpo en alineación con la percusión, el ritmo y el sonido, y realmente se trata de encontrar su propio vocabulario y estilo de movimiento. Es un largo taller de exploración y luego surge de la coreografía que se construye en conjunto. En términos de Dualidad, está realmente en línea con este paraguas de combinar el lenguaje antiguo con el nuevo. Una de las cosas que hacemos es tomar los elementos de la percusión de bomba, pero también hago mezclas de sonido y DJ, donde tomo prestados muchos patrones rítmicos de Afrobeats y Jungo techno. Mezclaré y configuraré la música a medida que avance el taller. Se trata de unir los dos mundos y dos formas de vocabulario de movimiento para encontrar algo nuevo.

Cuando piensas en IDI, ¿qué es lo primero que te viene a la mente en términos de danza? ¿Cómo ve a IDI?

Lo que me viene a la mente es cerrar la brecha entre la comunidad de danza y la comunidad internacional de bailarines. Nuestra capacidad es conectar puntos. Lo que más me interesa es trabajar con gente de Barcelona porque, en mi experiencia, hay una similitud en la relación con la identidad entre Barcelona y Puerto Rico.

¿Cómo ha comenzado tu proceso hacia la danza y la coreografía? ¿Cuéntanos tu trayectoria profesional?

Soy de la ciudad de Nueva York, he estado bailando profesionalmente durante 14 años, pero comencé hace 23 años [a los 9 años]. Me formé en la Martha Graham School of Contemporary Dance, donde comencé después de obtener una licenciatura en teatro y danza en Queens College. Luego pasé a hacer una maestría en estudios de danza en la Universidad de Roehampton en Londres. Actualmente, estoy haciendo un doctorado con investigación basada en la práctica en la Universidad John Morris en Liverpool, donde mi investigación es sobre la descolonización de las prácticas de danza tradicional a través del sincretismo cultural de la “Bomba” de Puerto Rico, de donde es mi familia. 

Doy clases de danza a tiempo completo, tuve una compañía de danza durante 8 años que cerré justo antes de la pandemia, para poder asumir otros emprendimientos artísticos. Aunque sigo trabajando con el colectivo Dancing La Botánica, que es una identificación afrolatina de artistas del Bronx. Todavía estoy coreografiando y asumiendo encargos y enseñando a tiempo completo y bailando también para otros artistas.

Diría que todavía estoy bailando y actuando a tiempo completo. Creo que la colaboración es una parte muy importante de mi práctica actual. Además, también estoy trabajando con un colectivo de artistas sudafricanos que se identifican no binarios y que se identifican como mujeres. Es un proyecto virtual en el que he estado participando pero ojalá cuando se abran las fronteras podré participar en persona. 

Mi trabajo está realmente arraigado en las prácticas decoloniales, pero la política corporal es donde todo comenzó para mí hace unos 6-7 años. Siempre he jugado con la idea de trabajar para los mudos y ver cómo las diferentes geopolíticas influyen en la creación de danzas. Pasé un tiempo viviendo en Tel-Aviv, Berlín, Londres y París, así que aquí es donde realmente se formó la raíz de mi práctica. 

Ahora voy al segundo año del doctorado, además de formar una cooperativa aquí en la ciudad de Nueva York como un nuevo espacio para los artistas. Forjar y crear un espacio para las personas queer, trans, BIPOC es realmente el núcleo de lo que hago.

¿Qué poder e impacto positivo tiene la danza y la expresión corporal en tu opinión, qué puede lograr la danza?

A menudo tengo sentimientos encontrados sobre esta pregunta, creo que cuanto mayor me hago, más compleja se vuelve. Por supuesto, enseño danza para niños de 10 a 14 años, así que es donde veo que la danza tiene más posibilidades de interactuar con la juventud. También sé que se ve afectado por la enseñanza en la ciudad de Nueva York, donde los niños de 10 a 14 años se parecen más a los de 14 a 19 años. Ahí es donde veo la posibilidad. También me siento desgarrado cuando pienso en despertarme y pensar si algo de esto realmente importa. Dado que el gobierno está quitando todo por lo que trabajaron las bailarinas. Miras el país en el que creciste y ves cómo afectó tu viaje. Algunos días me despierto realmente esperanzado, y otros días siento que no estoy haciendo lo suficiente en esta línea de trabajo. Creo que hay una dualidad en ese espacio, a menudo encuentro que es donde reboto de un lado a otro, algunos días es bueno trabajar y otros días no es suficiente.

He aprendido a apoyarme en esa dualidad, dejo que eso alimente mi trabajo. También me sentí cómodo sin conformarme con idealismo y cómodos finales felices. Se convirtió en parte de mi trabajo con el descolonialismo y la política corporal, que no siempre es cómodo y satisfactorio. 

¿Qué es lo que más disfruta de su trabajo y las artes escénicas?

Honestamente, es un disruptor como motivar a otros para que se sientan cómodos siendo disruptivos. Diría que la pandemia realmente destacó mi capacidad para hacer eso en mi práctica. Todavía tenía que enseñar de forma virtual, y muchas veces me involucré con todos los cuerpos en mi trabajo como un médico, un abogado, bailarines profesionales o quien esté interesado en moverse y aprender sobre su cuerpo, la relación de su cuerpo y con los espacios que los rodean. La conversación es casi siempre la misma, se trata de pensar en tu cuerpo y la forma en que se mueve fuera de la caja. Ser un retador y ser un constructor de caos es algo que estoy muy feliz de poder lograr en mi trabajo. Esa es la parte que más me entusiasma con todo tipo de personas, ya sea que tengas 10 o 40. La motivación para desafiar, cuestionar, deshacer conseguir esto es la parte más emocionante para mí como la coreografía.

¿Cuál es tu mayor inspiración para tu trabajo?

Mi mayor inspiración para mi trabajo es mi comunidad. Pasé mucho tiempo averiguando para quién estaba haciendo esto. Para mí, eso fue muy importante de identificar. En el año 2018, cuando mi empresa tuvo una exitosa gira con entradas agotadas en Ecuador, recuerdo haber dado un taller a un grupo de alumnas de escuelas católicas exclusivamente femeninas y haber tenido una actuación para familias de ingresos mixtos, que tienen problemas económicos. Recuerdo las respuestas y las reacciones de estas jóvenes y las familias solo por la capacidad de estar expuestas al arte. Recuerdo la conexión. Me había sentido como alguien que durante mucho tiempo es parte de la diáspora latina y no entendía realmente dónde estaba y cuál era la lengua materna. Entonces, estando en el país latinoamericano y luego volviendo a casa y haciendo más espectáculos para las comunidades urbanas aquí, me di cuenta de mi audiencia y comprender quién era mi comunidad es el mayor logro. Para mí, se trata de hacer espacio para que las personas trans y queer de BIPOC se comprometan con el arte, se expongan a él y se sientan vistas dentro de él. Siento que este ha sido uno de mis mayores logros como practicante.

Megan Curet IDI profesora, intérprete, colaboradora, coreógrafa 2021

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